24 march 2023, Yves Joris
Samuel Vanderveken: Je ne suis pas quelque chose, je suis un événement
Parfois, en regardant une œuvre d'art, on se fait une idée de l'artiste. Un matin perdu, je me suis rendu à Schaerbeek pour voir si ma représentation correspondait. L'image et l'artiste forment une synthèse parfaite : un compte rendu d'un entretien fascinant et transcendant avec l'artiste Samuel Vanderveken.
Pouvez-vous nous parler de votre parcours artistique et de comment vous êtes devenu artiste ?
Je dois dire qu'il y a une certaine dualité dans ma réponse. D'une part, il y a le milieu ouvrier quotidien du côté maternel, alors que mon père défunt était le célèbre acteur Ugo Prinsen. Mais je remarque que ces deux extrêmes se sont toujours cherchés dans leur quête d'équilibre. Cela s'est également reflété dans mes études. Après une formation ASO traditionnelle, il semblait évident que je suivrais un parcours universitaire. Mais j'ai rapidement échangé cela contre une formation en conception graphique à LUCA Gand, une filière artistique dont mes parents savaient qu'elle rapporterait de l'argent. Donc le yin et le yang étaient certainement présents ici. (rire) Ensuite, j'ai étudié la peinture.
Samuel Vanderveken,shiva/shakti, 2022, Shoobil Gallery
Comment décririez-vous votre style artistique?
Au début de ma carrière artistique, j'étais surtout intéressé par les collages, une recherche de synthèse entre la culture élevée et la culture populaire. Mon travail est en fait une recherche de 'Qu'est-ce qui est universel?'.
Entre-temps, j'ai évolué vers un style qui pourrait être décrit comme une abstraction transcendantale. Peut-être devrions-nous séparer les deux termes pour plus de clarté. Le Transcendental Painting Group était un mouvement né à Santa Fe et Taos (Nouveau-Mexique) avec des artistes tels que Lawren Harris, Florence Miller et Agnes Pelton. Leur objectif était de relier l'art abstrait à la philosophie spirituelle. D'autre part, je suis intéressé par l'abstraction totale, libre et ludique. J'essaie de mettre la responsabilité de cette divergence sur les épaules de Marcel Duchamp avec sa « Fountain ». Le moment où vous réalisez que n'importe quel objet peut devenir de l'art par la manière dont vous regardez un objet, correspond à la manière spirituelle de regarder parce que le nom que vous donnez à un objet n'est qu'une construction mentale et une projection. Un urinoir ordinaire devient une « fontaine » artistique par une simple intervention et un changement de nom.
Le plus important est que je ne veux pas être enfermé dans un style particulier. Je veux conserver cette merveilleuse surprise.
Comment décririez-vous votre style artistique ?
Je porte une grande attention à la durabilité de mes matériaux et à la réflexion écologique. Je peins avec une peinture acrylique fabriquée de manière naturelle en Suisse. Je prépare également de plus en plus ma propre peinture. J'ai réalisé des sculptures en bois pour un projet et je vois dans l'avenir que je poursuivrai dans cette direction. En effet, cela me semble intéressant de représenter la nouvelle réalité qui se crée dans ma tête en trois dimensions.
Samuel Vanderveken, Here. Now, 2023, Shoobil Gallery
Vos œuvres ont souvent des titres énigmatiques tels que "Here. Now.", "Cosmic Egg" et "Consciousness nearing Entropy". Des noms plus défiant que "Sans titre".
Comment choisissez-vous vos sujets et que voulez-vous transmettre? Comment apportez-vous de l'émotion et de la signification à votre travail?
La forme et la couleur sont extrêmement importantes. La peinture est une accumulation de formes et de couleurs. La texture est également très importante pour moi. J'ajoute beaucoup de chaux à ma peinture car cela donne une sensation chaleureuse et plus douce à mes couleurs, sans affaiblir l'intensité du pigment.
Quels défis rencontrez-vous sur votre parcours artistique?
Vous devez vivre. Vous faites des choses en tant qu'artiste. Vous devez faire face à la réalité que vous ne pouvez pas toujours ou rarement en vivre. Vous avez également la responsabilité de dire les bonnes choses au bon moment. Une œuvre ne doit pas être superficielle. Je cherche qui je suis et ce que je peux apporter dans le monde dans lequel je vis. Je veux transmettre un message aussi universel que possible qui peut dépasser mon propre temps. Une citation importante qui traverse mon travail vient de Piet Mondriaan. "Un art pour l'avenir est celui où l'individuel et l'universel se rencontrent".
Samuel Vanderveken, Cosmic Egg, 2022, Shoobil Gallery
Outre Mondriaan, y a-t-il d'autres artistes qui influencent votre travail?
Oh, avez-vous un instant? Je savais que vous alliez poser cette question et j'ai déjà préparé quelques noms. Un artiste qui a une grande influence sur ma peinture est Thomas Nozkowski. Dans son travail abstrait, je retrouve le langage visuel dans lequel je m'exprime également. De plus, je trouve que c'est fort qu'il ait travaillé toute sa vie sur le même format. Si je pense à d'autres noms, Miyoko Ito a également eu une influence certaine et pour la sculpture sur laquelle je suis actuellement concentré, je pense à des noms comme Matthew Ronay et Augustín Cárdenas.
D'autre part, je suis également inspiré par des auteurs de bandes dessinées tels que Charles Burns et Michael DeForge ou par le travail spirituel de Hilma Af Klint, dont le travail est actuellement très populaire. Et si je peux citer un peintre contemporain, le travail de Lui Shtini me surprend à chaque fois. Donc pour répondre à votre question: oui, il y a d'autres artistes qui ont une influence sur mon travail. (rires)
Vous avez mentionné Nozkowski dans la question précédente et le fait qu'il avait toujours travaillé sur un même format. Est-ce aussi le cas pour vous?
Non, je n'ai pas encore trouvé le format idéal. Je remarque cependant que j'ai récemment réalisé des travaux plus grands pour Shoobil et je remarque qu'ils ont une influence physique différente sur le spectateur que les travaux plus petits, qui fonctionnent surtout au niveau cérébral. Avec un travail plus grand, vous ressentez immédiatement l'implication physique plus importante de votre travail. Un problème pratique est bien sûr que de tels travaux nécessitent plus d'espace de stockage, ce qui me retient de travailler sur des formats plus grands.
Samuel Vanderveken, NT, 2020, Shoobil Gallery
Comment êtes-vous arrivé chez Shoobil Gallery?
J'avais participé à l'exposition collective "Hecht", que j'avais moi-même organisée à CC Zwaneberg, un prolongement d'un projet similaire que j'avais organisé à Menen. La photographe Evelien Gysen, qui est également chez Shoobil Gallery, était l'une des autres participantes. Serena Baplu, la propriétaire de la galerie Shoobil, est venue voir l'exposition et le reste appartient à l'histoire. Ce qui me plaît dans cette collaboration, c'est qu'elle ne promeut pas seulement ses artistes, mais qu'elle donne aux artistes avec lesquels elle travaille la liberté de se développer davantage pour grandir.
Votre travail a-t-il déjà été inclus dans certaines collections ou où aimeriez-vous voir votre travail?
Je sais que certains de mes travaux ont été inclus dans des collections privées. Le travail Sri Yantra, qui a également été exposé chez Shoobil, j'aimerais le voir dans une collection publique. Dans ce symbole se trouve une vérité universelle que je voudrais partager avec le public. Oh oui, si je peux rêver, je le vois déjà accroché au SMAK.
Et quels sont les projets futurs?
J'espère que ma quête artistique durera éternellement, mais en même temps je remarque que je suis beaucoup plus en paix avec le travail que je fais. Bientôt, je partirai en résidence au Frans Masereel Centrum et en été je partirai à Arteventura. Je travaille également sur un projet pour le Centrum Kind en Gezin KORAAL à Schoten où je vais construire un grand jeu artistique, et je donnerai une conférence à Mu.ZEE Oostende, chez Bildnis, sur mon travail. Chaque jour est une nouvelle étape, un nouveau défi.
Samuel Vanderveken,Consiousness nearing entropy, 2022, Shoobil Gallery
