04 november 2022, Oscar van Gelderen
La galerie de... Serena Baplu
Dans la section "La galerie de", nous donnons la parole à une sélection de galeristes néerlandais et belges : comment (et quand) ont-ils créé leur galerie, qu'est-ce qui a changé dans le monde de l'art depuis lors, quel est leur profil, que collectionnent-ils et quel est l'impact de la pandémie sur leur galerie ? Dans cette partie: Serena Baplu (Galerie Shoobil)
Avez-vous hérité d'œuvres d'art devotre famille?
Je suis né en 1964, pendant les années d'or, une période d'après-guerre marquée par la prospérité économique, l'optimisme et la liberté. Mes deux parents travaillaient et pouvaient facilement se permettre de beaucoup et recherchaient le bonheur matériel par-dessus tout. En 1976, mon père est mort dans un accident de voiture. Avec mon jeune frère, nous avons dû nous débrouiller seuls - et de manière rebelle - dès notre plus jeune âge. À l'époque, nous habitions à Anvers, derrière le musée des Beaux-Arts où j'ai passé beaucoup de temps et trouvé du réconfort dans les tableaux qui m'ont laissé une impression incroyable.
C'est là que j'ai su où je voulais aller dans ma vie. J'ai trouvé un numéro de téléphone de l'Académie d'Anvers, où une dame aimable m'a recommandé - en raison de mon jeune âge - les 'RIKSO' (humanités artistiques), et où, après un combat obstiné avec ma mère, je me suis retrouvé dans un groupe avec beaucoup de 'déchus' du système scolaire normal. Ce groupe anarchiste était parfait pour mon développement personnel. Le jour de mon dix-huitième anniversaire, j'ai commencé à vivre de façon indépendante.
Expo comestible : 'conversations à table' dans CC DeWerft Geel, novembre 2004
Comment êtes-vous entré en contact avec le monde de l'art?
Après les sciences humaines, j'ai commencé à étudier la sculpture à l'Académie d'Anvers. À la fin des années 1980, le MHKA a ouvert ses portes et de nombreuses galeries se sont établies à Anvers Sud, ce qui a fait le bonheur des étudiants en arts visuels. The Thursday evening 'nocturnes', where students, graduates and an art-minded audience filled the galleries and cafes, were a highlight for me. During late or early intoxicated hours came the stories of artists who left a gloomy picture of the galleries and the art world. At the time, there was also great resistance from the teachers at the academy in Antwerp against early success. Seeing black snow first was the pseudo-romantic vision. In 2004, I drew a line under the artist's existence with an edible exhibition in Cultuurcentrum De Werft in the city of Geel, where the works of art were literally consumed. In preparation for this promotion, I had followed a course in pastry and confectionery.
Les "nocturnes" du jeudi soir, où les étudiants, les diplômés et une foule d'amateurs d'art ont rempli les galeries et le secteur de la restauration, ont été un moment fort pour moi. Au cours des heures tardives ou précoces d'ivresse, on entendait les histoires d'artistes qui ont laissé une sombre impression sur les galeries et le monde de l'art. Il y avait alors aussi une grande résistance au succès précoce de la part des professeurs de l'académie d'Anvers. Voir la neige noire en premier, c'était la vision pseudo-romantique.
En 2004, j'ai tiré un trait sur mon statut d'artiste avec une exposition comestible au Cultuurcentrum De Werft à Stad Geel, où les œuvres d'art étaient littéralement consommées. Pour me préparer à cette action, j'avais suivi une formation en pâtisserie et en confiserie.
C'est alors que ma recherche d'un exutoire m'a conduit à la passion de la création de chaussures. En tant qu'enseignant dans cette matière, j'ai eu l'occasion de travailler bénévolement dans l'industrie du cuir au Sénégal et en Éthiopie, en considérant toujours la culture locale comme le point de départ d'une bonne conception et d'un produit personnalisé ayant un potentiel commercial tant dans le pays qu'à l'étranger.
Ces projets m'ont beaucoup apporté : ils ont ôté une couche de doute et renforcé mon engagement à appliquer les mêmes principes et la même force à l'art contemporain, puis à créer un espace physique pour celui-ci.
Avec sa fille Tosca à l'exposition personnelle de Nico Van Dijck, septembre 2015. Notre première exposition dans la Museumstraat
Quel a été votre premier emploi dans une galerie? Ou avez-vous tout de suite ouvert votre propre galerie?
Avec ma fille aînée Tosca et mon partenaire Jef, nous nous sommes lancés avec beaucoup d'idéalisme lorsque la galerie à but non lucratif est devenue une réalité en 2015. Le nom de la galerie est l'orthographe phonétique du bec-en-sabot (shoebill), qui vit dans le nord de l'Afrique de l'Est. Un oiseau inhabituel. Les premières expositions étaient davantage axées sur les objets d'art ayant une possibilité de fonctionnalité, mais nous nous sommes rapidement retrouvés dans une impasse. Nous avons tous les trois une base artistique et nous nous sentons donc plus à l'aise avec cela. La réflexion, la recherche, le fait de ne pas être frustré et de se changer soi-même ont été les principaux besoins pour être là où nous sommes aujourd'hui.
Après six ans, nous avons pu déménager de la Museumstraat 4 à notre magnifique espace au Waalsekaai 21/22 à Anvers.
Jef Gysen et Florian Mertens Mai 2018, Museumstraat
Comment décririez-vous le profil de votre galerie?
Nous visons à promouvoir de manière complémentaire et additionnelle les idées et les pratiques d'artistes contemporains inconnus, afin de leur donner une chance d'être vus par des critiques, des collectionneurs, des institutions et des galeries - qui sont plus susceptibles de travailler avec des talents établis.
Nous choisissons très délibérément ces premiers pas, car nous n'avons alors pas à nous soucier de ce que le marché nous dicte. L'expérience pratique de la construction des expositions est au cœur d'une mentalité d'amélioration continue, contribuant à l'identité individualiste que nous avons construite au fil des ans, et à son développement futur.
Expo B-COOPORATION de Jef Faes, janvier 2020, Museumstraat
Quel est, selon vous, le plus bel aspect du métier de galeriste?
Quoi qu'il en soit, les visites du studio, et à chaque fois l'émerveillement de ce monde et de cette vision fascinante. Montage et construction d'expositions en duo. Actuellement, j'apprécie surtout les combinaisons avec des artistes qui ne se connaissent pas encore.
Une conversation frontale entre individus qui débouche sur une valeur ajoutée collective implique également un engagement personnel de la part des artistes. D'après les conversations que nous avons eues avec notre public, j'ai pu constater qu'il en était conscient et que son opinion était importante. Le plus bel aspect est la "coïncidence". Parce que la galerie fonctionne actuellement sans subvention - et donc sans bureaucratie lourde - elle peut programmer librement et réagir rapidement.
Quelles sont les galeries auxquelles vous vous sentez lié au niveau national/international?
À Anvers, j'ai toujours été plus attiré par les espaces plus expérimentaux tels que Lokaal01, Pofferd-de Nul, Ruimte Morguen, Trampoline... qui ne vivent malheureusement plus que dans les mémoires. Tous les quatre avaient des programmes excentriques et variés. J'ai particulièrement apprécié "l'événement" et l'ouverture à la conversation de fond pendant les expositions.
Visite de l'atelier Yasmine Willems, 2021
Dans un monde idéal: quel artiste aimeriez-vous le plus représenter?
Louise Bourgeois à 40 ans.
Qu'est-ce qui a changé dans le monde de l'art depuis vos premiers pas?
Il y a la réalité contemporaine d'une carrière conçue dans l'art (un contraste avec la "neige noire" dans laquelle j'ai été "scolarisé"). Les artistes sont censés construire un ensemble d'œuvres reconnaissables dès leur plus jeune âge, en restant fidèles à leur style ou à leurs recherches narratives et biographiques. L'ingénierie sociale individuelle et le nom de l'artiste comptent comme une marque. Nous acceptons l'art figuratif et représentatif en reconnaissant le matériel et le métier. Les mécanismes du monde de l'art restent un défi.
‘Dear Lily’ Wonkun Jun, janvier 2022, Waalsekaai
Que/qui collectionnez-vous vous-même?
Nous achetons des œuvres aux artistes que nous exposons dans la galerie, aux amis des arts que nous achetons aux collègues. Nous avons un plafond financier, ce qui signifie que les artistes de renom sous forme de livres remplissent l'armoire. Les livres récemment publiés sont aussi souvent de beaux objets.
Corona a-t-il influencé votre réflexion sur le monde de l'art?
Cela n'a pas affecté ma réflexion personnelle sur le monde de l'art, la culture m'a surtout beaucoup manqué. Le terme "non essentiel" m'a marqué. L'art et la culture ont été placés dans cette catégorie par le gouvernement. Cela montre un désintérêt effrayant pour l'art et la culture. Pour les artistes visuels en particulier, c'était une période de rêve car le studio était le lieu principal au quotidien. Pour les petites ou jeunes galeries, les fermetures ont été dures et difficiles à survivre. La vente d'art en ligne est plus facile pour les personnes bien établies. En privé, j'ai de bons souvenirs de ce monde presque stagnant de la génération Corona.
Avec le fait historique qu'à l'échelle mondiale une société - que nous considérons comme acquise - cesse d'exister. Cette crise nous a arraché à la routine quotidienne et nous a obligé à réfléchir à notre propre vie et à l'avenir en fonction des objectifs que nous voulons atteindre. Et aussi, avec une certaine relativité, prendre le temps de le faire.
Duoshow d'ouverture avec Faryda Moumouh et Paul Bourgeois, septembre 2022, Waalsekaai
