21 october 2022, Oscar van Gelderen
La galerie de... Luc Franken
Dans la section "La galerie de", nous donnons la parole à une sélection de galeristes néerlandais et belges : comment (et quand) ont-ils créé leur galerie ? Qu'est-ce qui a changé dans le monde de l'art depuis ? Quel est leur profil, que collectionnent-ils - et quel a été l'impact du Corona sur leur galerie ? Dans cette partie : Luc Franken de ZEIT, à Anvers
Avez-vous hérité des œuvres d'art de la votre famille?
Dans les années 60, mon père était abonné à un nouveau magazine d’art, Openbaar Kunstbezit, et lors de voyages, nous visitions parfois des musées. Dire que l'art occupait une place importante dans notre famille serait exagéré. Une de mes tantes collectionnait des objets d'art et des antiquités, et cela m'attirait quand j'étais enfant. Je me souviens d’avoir été particulièrement fasciné par les peintures colorées de natures mortes et de paysages, qui se situaient entre le figuratif et l'abstrait. Plus tard, elle m'a fait cadeau d'une de ses œuvres, la première de ce qui allait devenir une collection. C'est elle qui m'a emmené pour la première fois dans une salle des ventes. J'ai trouvé cela extrêmement excitant.
Luc Franken et Philip Joël Wright dans leur premier appartement (1990)
Comment êtes-vous entré en contact avec le monde de l'art?
L'art est partout, ou du moins pour ceux qui y sont sensibles. Lorsque j'avais 16 ou 17 ans, je me promenais à Anvers et certaines formes et images m'ont interpellé. Les années 70 étaient palpables dans l'air. Je me souviens être entré - poussé par la curiosité - dans l'ICC, le Centre culturel international. Le centre était alors encore situé dans l'ancien Palais royal sur le Meir, c'est-à-dire au milieu de la ville. L'ICC a été la première institution publique en Flandre à présenter l'art contemporain. Il a ouvert ses portes en 1970, avec d'abord Ludo Bekkers, puis Flor Bex comme directeur. Je ne connaissais pas un seul nom et ne comprenais rien à ce que j'y voyais, mais j'ai trouvé cela incroyablement fascinant. C'était donc de l'art aussi!
Les années suivantes, en tant qu'étudiant, et après avoir commencé à travailler, j'ai commencé à voyager davantage. Sans la visite des musées locaux et des galeries d'art, la visite d’une ville n'est accomplie. En 1988, par exemple, au Centre Pompidou à Paris, je me suis soudain retrouvé face aux énormes toiles de Cy Twombly, un nom qui m'était alors inconnu. Je suis resté figé sur place. C'était le début d'une admiration de toute une vie. En 1994, je me suis rendu à New York pour une grande rétrospective de Cy Twombly ; à la Gagosian Gallery de l'époque, j’ai vu une œuvre de quatre mètres sur un et demi réalisée pour l'occasion l’événement.
C'est l'avantage de commencer en tant que débutant : une surprise peut vous attendre à chaque coin de rue, et certaines de ces surprises changent votre vie à jamais.
Lorsque j'ai commencé à vivre seul à 18 ans, je disposais d’aucun budget pour meubler mon appartement, mais comme nous l'avons déjà dit : l'art est partout. Une affiche trouvée dans votre galerie préférée, des cartes postales achetées au musée peuvent créer une composition pour le mur de votre cuisine. Dans ces années-là, les premières lampes et meubles vintage, acquis pour presque rien à l'Armée du Salut, permettaient de décorer votre intérieur. J'ai même trouvé certaines pièces dans les poubelles. Une fois, j'ai récupéré des chaises d'Arne Jacobsen dans un conteneur qui était prêt à être détruit. Peu de temps après, les premiers "vrais" achats d'art ont suivi : des sérigraphies de Guy Vandenbranden et quelques œuvres de constructivistes des années 1970, dans une petite salle des ventes. Personne n'en voulait à l'époque. Je les ai payés environ 25 centimes d'euro chacune.
Plus tard, j'ai fait la connaissance d'artistes tels que Paul Van Hoeydonck, Mark Verstockt, Cel Overberghe et le susmentionné Guy Vandenbranden, et qu’il était possible leur parler directement. Ce n'est pas évident pour un étranger, pour un "petit garçon". Au fil des années, j'ai eu de belles conversations avec des artistes de différentes générations : de Keith Haring à Geneviève Claisse, de Hannelore Van Dijck à Filip Collin. Entrer dans une galerie pour la première fois a également demandé beaucoup de courage, je m'en souviens. Cela m'a encouragé à supprimer autant d'obstacles que possible maintenant que je dirige moi-même une galerie.
Luc et Philip à l'hôtel Royal SAS de Copenhague, dans la seule chambre restante décorée par Arne Jacobsen (1992)
Quel a été votre premier emploi dans une galerie ? Avez-vous tout de suite créé votre propre galerie?
J'ai attendu et réfléchi pendant longtemps, mais j'ai immédiatement franchi le pas et j'ai commencé à ouvrir moi-même une galerie à la fin de 2019. Les étoiles s'alignaient favorablement, tout pointait dans la même direction. Le rez-de-chaussée du double immeuble que j'ai acheté avec un ami architecte dans les années 1990 est devenu vacant parce que mon ami a déménagé dans un bureau plus grand. J’ai constitué ma première collection d’art, au cours des 40 dernières années de ma vie. Puis, de bonnes relations avec des artistes et des galeristes amis m’ont également amené à finaliser le reste de ce grand projet.
Luc à la Fondation Vasarely (2015). Photo: Brecht Vandenbroucke
Comment décririez-vous le profil de votre galerie??
ZEIT invite principalement des artistes et des designers qui sont au début de leur carrière, ou qui, en tant que créateurs, n'ont pas encore reçu la reconnaissance que nous - je dirige la galerie avec mon associé Philip Joël Wright - pensons qu'ils méritent. Nous combinons leur travail avec des articles de la collection ZEIT, se composant principalement d'œuvres abstraites d'après-guerre, ainsi que de design vintage et nouveau.
Au cours de quatre expositions par an, nous réunissons l'ancien et le nouveau. Cela peut prendre la forme d'une exposition en duo, telle que "Brief : Encounter", qui présente exclusivement des œuvres de Filip Collin et Jo Delahaut. Le plus souvent, la sélection est plus large et nous organisons une exposition autour d'un thème. Par exemple, nous avons ouvert une fois avec "Balls !", notre expo 0, qui se concentrait sur le cercle et montrait des travaux très divers. D'une œuvre zéro de Mark Verstockt datant de 1963 à une lampe authentique "Moon" de Verner Panton. Puis, par un disque de gramophone en miroir de Lotte Van den Audenaeren présenté sur une vieille platine Technics.
Lors de la première fermeture, nous avons mis en place une exposition entièrement blanche dans la vitrine de la galerie que les gens pouvaient voir de la rue. Elle était également disponible en ligne, sous le nom de "Blanco", et était constituée d’un "paysage d'hiver" composé de vases "Marco" de Sergio Asti et de lampes "Noce" d'Achille & Pier Giacomo Castiglioni. Nous avons placé l'année 1970 sous les feux des projecteurs en organisant "7 x 70", : un demi-siècle plus tard, ; "c'était avant, c'est maintenant". Nous n'avons montré que des œuvres réalisées cette année-là et avons demandé à sept artistes de présenter leurs œuvres. Le jaune étant ma couleur préférée, nous avons pareillement organisé récemment une exposition complètement jaune intitulée "#FFFF00".
Nous présentons actuellement "Zwischen meinen Ichs", qui s'articule autour du projet de fin d'études de Laurence Petrone et des interventions architecturales d'Erik Haemers, complétée par des œuvres de Bernd Lohaus prêtées par la Fondation Bernd Lohaus.
Luc avec Paul Van Hoeydonck (2018)
Quel est, selon vous, l'aspect le plus intéressant du métier de galeriste?
Le plus beau, c'est d'être un conservateur, de rassembler tous les éléments, de reconstituer le puzzle. Dans les semaines qui précèdent l'ouverture d'une nouvelle exposition - lorsque nous rassemblons toutes les œuvres dans les espaces de la galerie - la recherche commence, et c'est assez excitant. Les œuvres sont souvent déplacées à la dernière minute. En effet, chaque salle a sa propre ambiance. Notre salle, côté rue, avec son parquet, a une allure de salon au pavillon de jardin avec son sol et son mur en béton. Puis, nous avons notre couloir de plus de 20 mètres de long et notre salle haute au centre du bâtiment, l'expérience artistique est différente partout. La lumière varie également énormément. Il s'agit donc non seulement d'installer les œuvres les unes à côté des autres, mais aussi de choisir l'endroit le plus approprié pour ces œuvres dans l’ensemble de la galerie.
En outre, le relationnel avec les artistes est très enrichissant. Il débute lors des entretiens préparatoires et des visites d'ateliers. Puis, se conclut par une décision commune sur la sélection finale. Celle -ci peut varier lors des vernissages, finissages et autres événements.
Quelles sont les galeries auxquelles vous vous sentez lié au niveau national/international?
À la suite de notre mélange d'abstraction contemporaine et d'après-guerre, nous occupons une place à part, je ne peux pas nommer immédiatement une galerie où cette mixité est évidente. Il m'arrive de voir dans des musées des expositions joliment organisées qui correspondent un peu à ce que nous essayons de faire. Il m'arrive aussi de tomber sur des images en ligne dans lesquelles je reconnais notre approche. Certains collectionneurs créent une combinaison similaire dans leur maison.
Luc lors de l'exposition "Blanco" en 2020
Dans un monde idéal: quel artiste aimeriez-vous le plus représenter?
Oh, il y en a trop pour tous les nommer. J'aurais aimé avoir Sol LeWitt et Cy Twombly dans mon portefeuille. Puis, tous les artistes contemporains que j'admire sont deja bien représentés i. Et si ce n'est pas le cas, ils sont toujours les bienvenus pour m'appeler!
Qu'est-ce qui a changé dans le monde de l'art depuis vos premiers pas?
Les changements les plus importants sont les suivants: il y a beaucoup plus de personnes qui se disent artistes, comparé à il y a 20 ans. Le lien entre l'artiste et la galerie s'est assoupli. Les réseaux sociaux ont donné aux artistes plus de visibilité et d'autonomie, avec tous les avantages et les inconvénients qui en découlent. Puis, le public achetant de l'art s'élargit au segment des jeunes. Des personnes de 25 ans achètent leur première œuvre, souvent en plusieurs fois: je trouve cela génial.
Luc pendant l'exposition "Tout est illuminé" (2021)
Que/qui collectionnez-vous vous-même?
Outre les œuvres contemporaines de ceux que nous exposons nous-mêmes - et l'achat occasionnel d'un de nos collègues - je suis toujours à la recherche d'œuvres fortes de nos maîtres abstraits préférés de l'après-guerre. Je pense, au niveau national, à Mark Verstockt, Cel Overberghe et André Beullens, et, un peu plus loin, à Jean Dewasne, Georg Karl Pfahler et Gianni Colombo. Et si je gagne au loto, j’achèterai un "Twisted Strings" de Walter Leblanc, une grande œuvre des années 50 de Heinz Mack, une gouache d'Hélio Oiticica, une huile sur toile de Wojciech Fangor et une d'Ellsworth Kelly, ainsi qu'une sculpture d'Ivan OhPicelj. Et rajoutez-moi s’il vous plait une œuvre tardive de Mario Sironi et un Bridget Riley.
Le Coronavirus, a-t-il influencé votre réflexion sur le monde de l'art?
Le Coronavirus a renforcé certaines tendances qui existaient déjà, comme la vente en ligne. En outre, la pandémie nous a incités à remettre en question notre rapport à l'argent, tant dans le monde de l'art, qu'ailleurs. Le calme était le bienvenu. Bien que ça aurait pu s'arrêter là. Les crises successives alimentent l'incertitude. Puis, l'inflation érode notre prospérité. Cela se remarque principalement au niveau des ventes. Le haut de gamme est touché, mais nos acheteurs hésitent davantage et abandonnent parfois un achat à la dernière minute.
Exposition actuelle "Zwischen meinen Ichs", avec des œuvres de Laurence Petrone, Erik Haemers, Bernd Lohaus et Dimitrih Correa (2022).
